A treinta años de su grabación, la influencia de este disco definitivo del flamenco continúa. El legado de La leyenda del tiempo –su mágica aleación de lo clásico y moderno, los versos musicalizados de Federico García Lorca, su brillo imperecedero– contado por músicos como Tomatito, Raimundo Amador y Kiko Veneno, junto a archivos antes inéditos.

Les presentamos el disco decisivo del flamenco y la asombrosa historia tras su grabación. Rock progresivo y cante jondo le dieron forma musical a los poemas de Federico García Lorca grabados por Camarón de la Isla en La leyenda del tiempo, de 1979. Treinta años más tarde, los principales colaboradores del guitarrista y cantaor explican qué factores cósmicos se unieron en esta pieza clave de la música europea. Como toda pieza de vanguardia, éste fue un álbum con tantos admiradores como detractores (en un momento entrañable del filme, un cariacontecido pero sonriente Camarón pide perdón a quienes no les ha gustado el disco). El documental sostiene que Camarón era como Mozart: un tipo en el que confluyeron todos los atributos y coincidencias geográficas y temporales para expulsar una obra musical que revolucionara su tiempo. Para amantes de Camarón y del disco, este filme resulta definitivo. A los curiosos y apreciadores de los making-of de los clásicos les resultará igualmente cautivador.

Director: José Sánchez-Montes
Protagonistas: Camarón de la Isla, Tomatito, Raimundo Amador, Kiko Veneno
Productores: Gervasio Iglesias, José Sánchez-Montes
Cámara: Mariano Agudo
Productora: Ático Siete S.A., TVE
Distribuidora: Ático Siete S.A., TVE

La historia de una novela y un exorcismo. En 1960, el escritor Jack Kerouac, famoso autor de En el camino, decide alejarse del alcohol y la celebridad para esconderse en el monte. Compañeros de viaje y herederos del feeling beatnik, como Sam Shepard, Patti Smith y Tom Waits revisitan Big Sur.

Hace 52 años, la novela En el camino transformó al joven Jack Kerouac en un rockstar literario. Hacia 1960, la fama y el canibalismo de sus fans lo tenían convertido en un borracho cínico y depresivo. Para alejarse del alcohol y las expectativas de voz generacional, Kerouac decidió refugiarse en la cabaña que el poeta Lawrence Ferlinghetti, aún mantiene en la zona de Big Sur, en la costa californiana. Big Sur, el libro que resultó de ese retiro, confrontó al autor favorito de los beatniks con sus penas y demonios, y en este documental seguimos la historia de tan singular novela. Recorremos los archivo de los clubes beat de San Francisco; recordamos junto a amigos y compañeros de viaje (la mayoría personajes del libro, como Ferlinghetti, Carolyn Cassady, Joyce Johnson y Michael McClure); analizamos su legado junto a herederos del feeling, como Sam Shepard, Patti Smith, Lenny Kaye o Tom Waits; y revisitamos pasajes del libro, narrados en la voz del propio Kerouac. Por si esto fuera poco, la película cuaenta con una banda sonora compuesta especialmente para el filme por Jay Farrar (Son Volt) y Benjamin Gibbard (Death Cab for Cutie). Menú beatnik completo.

One fast move or I’m gone: el Big Sur de Kerouac

Director: Curt Worden
Protagonistas: Jack Kerouac, Tom Waits, Patti Smith, Sam Shepard.
Productores: Michael Basick, Gloria Bailen, Jim Sampas
Cámara: Richard Rutkowski
Productora: Kerouac’s Big Sur, LLC
Distribuidora: Atlantic Recording Corporation

Cada entrevistado en este documental es más importante que el anterior: Tim Robbins, John Mellencamp, Al Gore, Bob Dylan… Su testimonio da cuenta del fondo de admiración y cariño por uno de los pocos íconos estadounidenses ecuménicos: un hombre sin enemigos, por encima de etiquetas políticas o musicales, de un legado que cruzará por siempre generaciones y géneros. Existen muchas películas sobre Johnny Cash, pero ésta es la única con participación directa de su familia y valioso material de archivo antes inédito.

De pronto el Hombre de Negro estuvo en todas partes. Tras su muerte, se develó al mundo el talento infinito de un hombre con tanta profundidad artística como humana. El documental Johnny Cash’s America explica parte de ese legado a través de entrevistas a sus cercanos y fans; y es probable que no vuelva a existir otra figura en la música capaz de emocionar a la vez a Ozzy Osbourne, Bob Dylan y Snoop Dog. Cash fue admirado por prisioneros y presidentes, por predicadores y por punks. Fue un hombre de Dios que habló por los condenados. Su cualidad unificadora es revisada aquí con respeto y rigor a través de cincuenta años de música, incluyendo 27 de sus canciones, archivos antes inéditos de su show televisivo en los años 60, y tomas desechadas de sus sesiones de estudio. Una lección sobre cómo decir lo que se piensa sin por ello perder la voz.

Directores: Robert Gordon y Morgan Neville
Protagonistas: Johnny Cash, Bob Dylan, Al Gore, John Mellencamp, Tim Robbins, Sheryl Crow.
Productora: A&E Television.

He aquí 40 años en la vida del enorme Neil Young, contados por él mismo y sus allegados (Stephen Stills, David Crosby). De lo conocido (los grupos Crazy Horse, Crosby Stills Nash & Young, Buffalo Springfield) a la sorpresa (¿fan de The Devo?). Si éste no es el documental más exhaustivo sobre su carrera, sí es el más personal, y aquel con la entrevista más larga que hasta ahora ha concedido en cámara.

A lo largo de 40 años de fiera independencia creativa, son pocas las veces que Neil Young se ha abierto en una entrevista, mucho menos ante una cámara. Un equipo de la BBC consiguió la conversación más extensa y reflexiva registrada hasta ahora en filme. Surge ante nuestros ojos un talento singular: un hombre con una carrera ejemplar, aún cómodo con una camisa de franela, porfiado opositor a los patrocinadores y el establishment, y capaz de levantar ampollas entre sus fans más ortodoxos. Don’t be denied nos lleva al pasado: infancia canadiense, primeros grupos de garage, el inicio de su amistad con Stephen Stills, los cálidos recuerdos (y ricas imágenes) de Buffalo Springfield, el debut en 1969 con Crosby, Stills, Nash & Young, la fama y adulación consiguientes, el enorme Harvest, los incomprendidos álbumes experimentales, la aventura junto a Crazy Horse. No está todo, pero sí lo que Young desea recalcar, incluyendo algunas sorpresas (¿una jam-session con Devo?). Se incluyen testimonios de los allegados a este héroe del folk-rock: Stephen Stills, David Crosby, Graham Nash, James Taylor. Imposible no dimensionarlo en toda su grandeza.

Neil Young: Don’t be denied

Director: Ben Whalley
Protagonistas: Neil Young, David Crosby, Graham Nash, Stephen Stills.
Productores: Ben Whalley
Cámara: Ric Clark.
Productora: BBC
Distribuidora: UK TV.
Participación en festivales: FOCAL Arts Documentary, Rose D’Or Festival, Florida International Film Festival.

Julio del 2007, Irlanda: cinco noches de encierro en el teatro Olympia de Dublín. Una audiencia de familia, amigos y fans íntimos. Canciones muy nuevas o muy antiguas. Una semana de pruebas con unos R.E.M. inauditos, filmados con gran belleza en un blanco y negro casi palpable por el cada vez más prestigiado realizador Vincent Moon.

Un teatro, cuatro chicos y una audiencia. Pero no son cuatro chicos cualquiera, la audiencia tampoco es normal, y las canciones tocadas no las ha escuchado nadie aún. Al centro de Irlanda, el grupo rock más importante de Estados Unidos se impone lo que llaman un “experimento en terror”, o una serie de “ensayos públicos” para precalentar las canciones de un nuevo disco. En la audiencia: familia, amigos y apenas un centenar de fans. Hay canciones nuevas y otras de su primer EP. Hay emoción, intriga y dolor de estómago en súperestrellas que habían olvidado cómo se sentía la pequeña mordedura del pánico escénico. El destacadísimo realizador francés Vincent Moon retrata con gran belleza visual aquella semana de pruebas con unos R.E.M. inauditos. Perfiles y primeros planos de contraste subido, casi expresionistas, contribuyen a resaltar la emoción de lo inesperado. This is not a show es un concepto. No es un show, pero sí una pequeña obra maestra.

Director: Vincent Moon & Jeremiah
Protagonistas: R.E.M.
Productores:Alexandre Perrier
Cámara:Jeremiah & Vincent Moon
Productora:Kidam Production
Participación en festivales:Sound Unseen.

A los 14 años hicieron el pacto de permanecer juntos para siempre en la misma banda de rock. El grupo Anvil se convirtió en un faro para el heavy-metal canadiense, e influenció a esa generación que incluye a Guns’n Roses, Metallica, Slayer y Anthrax. Pese a eso, nunca lograron éxito fuera de su país. Eso, hasta este documental, el más aplaudido de la temporada por la crítica, y una obra a la que es imposible definir sin recurrir a dos conceptos contrapuestos: rudeza y ternura.

Centrado en una banda metalera de culto, uno cree que en este filme no cabe esperar ninguna gran sorpresa. Sin embargo, al poco rato La historia de Anvil se convierte en un documental conmovedor, que habla, más bien, de compromiso, persistencia y amistad. La crítica internacional se ha rendido ante la historia del grupo canadiense más influyente y menos famoso de la historia, cuya decisión de continuar en el rock incluso a los 50 años los enfrenta a episodios sucesivamente hilarantes, incomprensibles y emocionantes. El mérito de tan bien hilada historia es del director Sacha Gervasi, prestigiado periodista y guionista británico que cree haber filmado “una historia de amor entre hombres, sin sexo”. Nunca el heavy-metal había hecho llorar a tantos de este modo. “El mejor documental que he visto en años”, dijo Michael Moore, uno que sabe.

Anvil. La historia de Anvil.

Director: Sacha Gervasi
Protagonistas: Tiziana Arrigoni, Kevin Goocher, Lemmy, Slash, Lars Ulrich, Robb Reiner.
Cámara: Christopher Soos.
Distribuidora: Abramorama
Participación en festivales: Sundance, Los Angeles Film Festival, Sidney Film Festival.

Más que una película, Empires of tin se plantea como un encuentro multimedia con la excusa de la clásica novela La marcha Radetzky, de Joseph Roth, como base de inspiración. Atención: artistas soñando. Los músicos Vic Chesnutt, Silver Mt. Zion y Guy Picciotto (Fugazi) deconstruyen la homónima marcha de Strauss, mientras el director Jem Cohen busca conexiones y alucinaciones en el anochecer de la dinastía de los Habsburgo.

Hablar de la faceta “más atrevida, experimental y multimedia” de Jem Cohen ya es mucho decir. El realizador neoyorquino ha trabajado siempre en los bordes del cine, y aquí ha levantado lo que él mismo definió como “una alucinación musical documentada”. Evening’s Civil Twilight in Empires of Tin es un montón de cosas a la vez: concierto, novela, deconstrucción de música clásica y película. El trabajo le fue encargado por el festival cinematográfico Viennale, y a Cohen le sirvió para marcar un gol político en torno a la caída de los imperios; tanto el anochecer de la dinastía Habsburgo como el fin de los Estados Unidos como hegemónica potencia global. El realizador conecta períodos y ciudades (Viena, Nueva York), mientras un ensamble musical reinterpreta de manera libre La marcha Radetzky, de Strauss (que inspiró la novela homónima de Joseph Roth) y un actor lee pasajes de la novela. Presentada primero como montaje en vivo, el filme combina ese registro escénico con las nuevas ideas de Cohen e imágenes de archivo, dándole forma a una película inclasificable.

Evening’s civil twilight in Empires of Tin

Director: Jem Cohen
Protagonistas: Vic Chesnutt, Guy Picciotto, Catherine McRae.
Cámara: Jem Cohen
Productora: Viennale, Constellation Records, Gravity Hill Film
Distribuidora: Viennale.
Participación en festivales: BAFICI, Jeonju International Film Festival, Viennale.

De leyendas del underground a estrellas internacionales (hasta Madonna los piropea), este documental acompaña los cinco años más importantes en la agitada vida de Gogol Bordello, un grupo que ha hecho del nomadismo filosofía musical. El carismático cantante Eugene Hütz nos presenta a la más importante banda de punk-gitano en el mundo, y a amigos suyos, como un tal Manu Chao.

Un retrato de baja prolijidad y alta energía para un fenómeno musical. Sobre el escenario, entre callejones, arriba de aviones y buses, y en sus escasos momentos domésticos, los integrantes de Gogol Bordello nos muestran un modo inusual de entender la música: un permanente desafío vital al que hay que abrazar con furia punk y respeto por las raíces. Largas secuencias de este documental muestran los enérgicos conciertos del grupo, que incluyen casi siempre la participación de miembros del público sobre la tarima. El cantante Eugene Hütz es un ejemplo de carisma escénico, y su biografía se asemeja mucho al sueño americano. Llegó de Ucrania, “pobre pero libre”, en sus palabras, y logró convocar a sufucientes músicos folk, bailarines y punks hasta armar la más enérgica banda de Nueva York.

Gogol Bordello non-stop

Directora: Margarita Jimeno
Protagonistas: Gogol Bordello, Manu Chao, Roy Paci, Yuri Yunakov.
Productora: Margarita Jimeno
Cámara: Margarita Jimeno
Productora: Hoptza! Films
Distribuidora: Lorber Films

Un aún psicótico pero genial Wilko Johnson, fundador del grupo Dr. Feelgood, nos lleva, a guitarrazos geométricos de R&B, por la historia de la banda que le devolvió el roll al rock’n’roll. De las refinerías de Canvey Island a la dominación mundial desde-el-pub, viajamos sobre un meteorito de nicotina y blues-punk del Delta.

Los años 70 nutrieron a artistas presuntuosos y música pomposa, y alguien tuvo que allanarles el terreno a los chicos punk. Ese eslabón perdido, ese puente imaginario, fue el pub-rock, y sus emperadores fueron los majestuosos Dr. Feelgood. En Oil City confidential, el lúcido  guitarrista Wilko Johnson nos lleva por la historia del grupo a golpe de fieros riffs de R&B. El destacadísimo director Julien Temple, casi un miembro más del grupo, fusiona películas de gángsters de los 50 (Brighton rock, The criminal), blues-punk del Delta, y la biografía del fallecido y carismático frontman Lee Brilleaux. Lo que queda es el thriller de un grupo mítico, y el apuesto (aunque alcoholizado) cadáver que legó.

Oil City Confidential. La historia de Dr. Feelgood

Director: Julien Temple.
Protagonistas: Dr. Feelgood, Joe Strummer, Glen Matlock, Jools Holland.
Productor: Stephen Malit.
Cámara: Stephen Organ.
Productora: Cadiz.
Distribuidora: Hanway Films.
Participación en festivales: London Film Festival.

Se reabre el oscuro caso que terminó con la pareja de Sid Vicious y Nancy Spungen. Según el filme, el fallecido bajista de los Sex Pistols pudo haber sido un desastre, pero no el asesino de su novia. Ésta es tanto una crónica punk como un atrayente documental de conspiranoia.

“I didn’t do it! I didn’t kill her! I didn’t kill Nancy!“, repitió varias veces el malogrado Sid Vicious justo después de haber sido acusado del asesinato de su novia, la icónica yonki-groupie-prosti Nancy Spungen. La chica había sido apuñalada el 12 de octubre de 1978 en la habitación 100 del hotel Chelsea, en Nueva York, en una habitación que compartía con el bajista de los Sex Pistols y la visita de incontables dealers de droga. ¿Qué sucedió esa noche? La versión oficial la sabemos todos: Sid apuñaló a Nancy y luego se desmayó. Unas semanas después, moría de sobredosis, enterrando con él la verdad.

El director Alan G. Parker [no es el mismo cineasta de The Wall] reabre el caso y sostiene que Vicious puede haber sido muchas cosas, pero no un asesino, y mucho menos de su adorada Nancy. Su adictiva crónica punk se basa en informes oficiales, las infinitas contradicciones y negligencias de la investigación y, sobre todo, valiosos testimonios de los cercanos a la pareja (incluyendo al ex Sex Pistols Glen Matlock, y al realizador Don Letts). Para no estropear el misterio, no les vamos a contar la conclusión, pero aquí va una pista: nadie sabe qué pasó con los 20 mil dólares que Sid había cobrado por la grabación de “My way” y que estaban a la vista de todos en la habitación 100 durante esa tarde fatídica.

whokillednancy.com

Director: Alan G. Parker.
Protagonistas: Glen Matlock, Don Letts, Malcolm McLaren.
Productores: Ben Timlett, Christine Alderson.
Cámara: Nick Ray Rutter.
Productora: Bill & Ben, Moxie Makers, Double D Productions.
Distribuidora: Moviehouse Entertainment Limited.