Sábado 10 > 21 h. > Teatro Nescafé de las Artes
Sábado 17 > 16 h. > Teatro Nescafé de las Artes

John Lennon dijo que dentro de su amigo George vivía un misterio. Martin Scorsese afirmó que escuchar por primera vez All things must pass fue como adentrarse en una catedral. Olivia Harrison, su mujer, asegura: «George tenía un karma que solucionar. No iba a regresar y ser malo. Iba a regresar para ser malo y bueno y amable y enfadado: todo a la vez». IN-EDIT NESCAFÉ se enorgullece en presentar el documental musical más esperado del año.

Pero, ¿quién era en realidad el Beatle tímido? ¿Qué sendero toma uno para viajar desde aquel menor de edad que toca guitarra en un club de Hamburgo hasta el eremita místico de los años setenta, y de allí pasar a organizar el Concierto para Bangladesh, y luego levantar una productora de cine como HandMade Films? ¿Quién fue este filántropo, asceta, enamorado compositor de “Something”, fan de la cítara, discípulo de Ravi Shankar, guitarrista único, viajante del cosmos, padre y esposo? Scorsese busca descifrar el enigma en un documental profundo y extenso (más de tres horas) —«esta película es una exploración», asegura— que también es una reflexión sobre lo externo y lo íntimo, y que cuenta con toneladas de metraje nunca antes visto. Yoko Ono, Paul McCartney, Eric Clapton, Pattie Boyd, Phil Spector, Ringo Starr, George Martin y muchos otros testimonios invaluables contribuyen a examinar su paso de niño a Beatle y más allá, a través de las iluminaciones y contradicciones de un ser humano excepcional.

Sitio oficial

Viernes 9 > 18 h. > Centro Arte Alameda

Lo dice Eric Clapton: «Toots es un soul singer», y a ver quién lo va a contradecir. Por si alguien fuese tan insensato como para intentarlo, ahí está Bonnie Raitt, que añade lo mismo. De hecho, todo el mundo parece estar de acuerdo en un hecho incuestionable: Toots es el mejor cantante de Jamaica; o, cuanto menos, el más soulful. Keith Richards, Jimmy Cliff, Willie Nelson, Ziggy Marley y varios más bendicen su nombre, y a través de su testimonio nos adentramos en la vida del llamado «Otis Redding jamaiquino», héroe del hombre común y narrador de la vida isleña, que a lo largo de su carrera se ha valido del gospel, el ska y el reggae.

Sus canciones son pequeñas novelas, casi como postales desde Jamaica, y nos van contando su historia con ritmo. Aprendemos sobre su herencia espiritual, el malandreo rude-boy, el desafío rebelde de la adolescencia, la euforia de la música. Y encima de todo, tenemos a Toots en entrevistas recientes y un despampanante archivo de época junto a los Maytals, demostrándonos que el reggae tiene alma, y esa alma creció en su interior.

Sitio oficial

Domingo 11 > 18 h. > Centro Arte Alameda

¡Viven! El 29 de marzo de 2010 marcó a los fanáticos del indie rock británico: la formación original de The Libertines anunciaba su reunión luego de seis años de distanciamiento. Este documental con credencial de libre acceso muestra imágenes de aquella conferencia de prensa, clips de esas primeras presentaciones en pequeños locales londinenses y tomas de Doherty, Barât y compañía en los festivales de Reading y Leeds. Pero también hay saltos temporales hacia el pasado temprano. El director Roger Sargent ha sido el fotógrafo histórico de la banda, lo que le permite incluir archivos audiovisuales exclusivos: sus inicios, los ensayos caóticos, las supermodelos, y la relación con los tabloides (perseguidores eternos del carismático y escandaloso Pete Doherty). Tal fue la compenetración de todos en el proyecto, que el realizador asegura que su filmación resultó ser una «terapia catártica».

El filme no elude las bajezas del grupo, pero evita refocilarse en ellas y opta por contar su extraña historia sin niebla ni habladurías, buscando hacerle justicia a una banda de rock que demasiadas veces quedó semioculta por lo no musical. También queda espacio para las reflexiones: Doherty confiesa que la fama le resultó desastrosa (menuda sorpresa, dirán algunos), y Barât asegura que «nos completamos el uno al otro». Aunque la banda sigue permitiéndose sus deslices en la senda del canalleo —los primeros ensayos empiezan con prolongadas visitas al pub, y Doherty pide una jarra de litro de mojito para llevar—, un abrazo grupal y un esperado concierto de clausura ponen colofón digno a una carrera que llegó a parecer un yugo letal.

Sitio oficial

2D > Viernes 9 > 17 h. > Teatro Nescafé de las Artes
2D > Sábado 10 > 17 h. > GAM 

 3D* > Domingo 11 > 21:30 h. > Cine Hoyts La Reina
3D > Miércoles 14 > 21:30 h. > Cine Hoyts  La Reina
3D > Jueves 15 > 21:30 h. > Cine Hoyts  La Reina

(*)Abonos y credenciales no válidos para funciones en 3D

Danza y música se unen en el tributo póstumo de Wim Wenders a la coreógrafa Pina Bausch. El largometraje Pina es una producción en 3D que comenzó a filmarse como homenaje a la destacada creadora poco antes de su fallecimiento, en 2009 (justo cuando ella trabajaba en una pieza sobre Violeta Parra). La cinta viró entonces hacia un tributo colectivo, en el que alumnos, socios creativos y colaboradores recuerdan su talento pionero y legado, y los detalles en torno a su trabajo ininterrumpido de 35 años con la danza.

Más que una biografía, la cinta es una narración sobre danza y creación, articulada desde y hacia dos de los talentos más conovedores de la historia contemporánea alemana. A Pina Bausch se le tributa como corresponde: bailando, y no sólo en escenarios o salas de ensayo, sino que también en entornos urbanos (dentro de un vagón, junto a una autopista) y de retiro natural. Las coreografías que se muestran son composiciones suyas, partiendo por un trabajo a partir de La consagración de la primavera, de Igor Stravinsky, y pasando por otras tres piezas (Café Müller, Vollmond y Kontakthof) que se apoyan en grabaciones de Caetano Veloso, Jun Miyake, Thom Hanreich o René Aubry. Pocas veces la música ha podido traducirse así en el cine: a través de un movimiento poético y lleno de sentido, que la tecnología 3D acompaña en toda su profundidad. Pina es la candidata de Alemania para el Oscar a la Mejor Película Extranjera 2011, y constituye un estreno de lujo para nuestro festival.

Domingo 11 > 20 h. > Centro Arte Alameda
Sábado 17 > 22:30 h. > Teatro Nescafé de las Artes

Fue un ataque al corazón, eso decía su parte médico, lo que en julio de 1999 mató a Mark Sandman, líder y voz de Morphine. A los 46 años, el fulminante infarto golpeaba dramáticamente a una de las bandas de mayor carácter en la escena estadounidense, un trío de rock sin guitarra que en los años noventa combinó jazz, blues y rock en un sonido por completo atípico. El susurro de su voz grave y la precocidad de su muerte —para peor, sobre un escenario (en Palestrina, Italia)— han colaborado a convertir a Sandman en un mito, recordado aquí con una admiración y afecto que lo hacen, por primera vez, cercano.

La historia familiar del músico marcaba ya en su infancia una biografía diferente. La pérdida temprana de dos de sus hermanos motivó una dedicación y vida interior excepcionales en el joven de Massachusetts, concentrado tempranamente en la música y los viajes. Sus vínculos personales fueron siempre algo más que relaciones al pasar: Sandman parecía dejar huella entre conocidos y colegas, como aquí lo recuerdan Ben Harper, Les Claypool (Primus) y Josh Homme (Queens of the Stone Age), pero también sus padres y hermana (quienes proporcionan gran cantidad de material de archivo). Más que la historia de una banda, Cure for pain es la narración de una personalidad musical tan única como el sonido de Morphine. Acompañamos a un enorme talento por su vida breve pero llena de sentido, hasta su último traslado a la inmortalidad.

Sitio oficial

Domingo 11 > 19 h. > Centro GAM
Jueves 15 > 19:30 h. > Teatro Nescafé de las Artes

Mito y figura del virtuoso pianista francés de jazz que rehusó ser minusválido. Michel Petrucciani (1962-1999) nació con todos los huesos rotos; pero en lugar de obsesionarse con superhéroes, el precoz artista aquejado de osteogénesis imperfecta y enanismo se abalanzó sobre el piano. Su vida, analizada minuciosamente en este certero estudio, se convierte en una celebración de la diferencia, personificada en su pequeño cuerpo.

He aquí cómo una grave minusvalía forjó a un meteoro de genialidad, vitalidad y sed —¡lujuria!— de vida. En la voz de todos aquellos que le conocieron, especialmente de sus tres ex esposas («era maravilloso en la cama», aduce una), nos adentramos en sus afectos y defectos (como su mitomanía o su soberbia), en los obstáculos que superó, y, sobre todo, en su incombustible energía y ganas de vivir. Ésta es una intensa película que trata tanto sobre jazz como sobre la pasión de un hombre condenado a la exclusión social, pero que supera su destino a través del esfuerzo y el genio musical.

Sitio oficial

Domingo 11 > 17 h. > Centro GAM
Lunes 12 > 17 h. > Teatro Nescafé de las Artes

Joe Strummer, el líder de los Clash, fue uno de los tantos ingleses que cayó bajo el encanto del sur de España. La zona no sólo lo inspiró musical y culturalmente, sino que también lo llevó a fundar un pequeño sello discográfico al que llamó Andalucía, filmar allí un spaguetti-western e involucrarse con la gente de la ciudad hasta volverse un gran amigo de muchas personas. Este documental es una simpatiquísima mirada a los «años perdidos» de Strummer en Granada y Almería. El rockero, ovacionado por estadios llenos en Europa, Inglaterra y Estados Unidos, encontró allí la tranquilidad de pasar de incógnito en un paisaje que lo impresionaba.

Rico en anecdotario cotidiano y humano, éste es un afectuoso homenaje a un músico entrañable. No existe otra forma de adentrarse en los años menos documentados de su carrera y vida que visitando a sus antiguos vecinos o charlando con los amigotes de la época (entre ellos, el grupo 091, a quienes llegó a producir). Y así vamos descubriendo cómo se las arreglaba aquel «inglés sociable» que quiso adentrarse en el mar y emerger siendo otro: un señor normal que chapurreaba español tirando a regular-mal, conducía sin licencia, se apalancaba en bares a tomar copitas y buscaba la senda de Lorca. El cielo, la libertad y la pausa del sur resultaron el bálsamo ideal para un viejo punk harto de estar enfadado. Qué bonita historia.

Sitio oficial

Domingo 11 > 21:30 h. > Sala Cine UC

Hay una historia tras cada bailarín del carnaval de Río. O samba que mora en mim (El samba que vive en mí) se atreve a contar las intimidades y amores, penas y alegrías, empleos y desempleos de todos esos cariocas durante los 364 días del año en que no hay desfile. ¿Quiénes son ésos que se emperifollan para una sola jornada carnavalera; que trabajan laboriosamente en un atuendo y baile que se extinguirá en veinticuatro horas?

El filme prescinde de música —esto se trata del samba que vive en la gente; no hace falta escucharla— para centrarse en la pura existencia de transeúntes normales en Mangueira, irreductible barrio sambero. Tratándose de una favela, muchas de las historias exudan pobreza, ignorancia y muerte. Todos los relatos hablan de intimidad, barrio, familia, educación y supervivencia. Narraciones sencillas, pero relevantes. «Mi historia es importante», sugiere una memorable anciana, auténtico receptáculo de sabiduría marginal y abuela colectiva. Éste filme brasilero es un trabajo de excelente factura cinematográfica y brillante fotografía, rebosante de color; que fascinará a quienes se apasionan por la vida humana. Con samba o sin ella.

Lunes 12 > 19:00 h. > Teatro Nescafé de las Artes

Si hay que recordar a Harry Nilsson (1941-1994) frente a una cámara nadie quiere perderse la oportunidad. Eso incluye a Yoko Ono, Brian Wilson, Ringo Starr, el actor Robin Williams y el cineasta Terry Gilliam. ¿Cómo un músico de nombre tan desconocido congrega el entusiasmo de amigos tan famosos? La verdad es que Nilsson estuvo lejos de ser un intérprete discreto. Muchas de sus grabaciones (“Everybody’s talkin’”, “Without her”, “One”, “Without you”) son reconocibles de inmediato por cualquier auditor radial, y hasta el mismísimo John Lennon llegó a declararlo alguna vez como su cantautor favorito (antes, claro, que salieran juntos de fiesta en el famoso «lost weekend» del Beatle, y esa admiración se convirtiera en otro tipo de complicidad).

Pero, siempre hay un pero. Nilsson también fue un hombre lleno de sombras, atormentado por el abandono de su padre y por un gusto por la juerga que no siempre supo controlar. Su carisma fusionaba el cielo y el infierno. Su historia es como la de un arquetipo del compositor ultratalentoso que pudo tenerlo todo pero prefirió dejarse estar en un bajón anímico que terminó por matar a sus musas. Antes del final, lo que hubo fue una colección de asombrosa finura para canciones inmortales: melancólicas, irónicas, con melodías a prueba de balas; para cantar y luego llorar de nostalgia. Este documental garantiza el inicio en el fanatismo por uno de los más entrañables famosos-desconocidos de la música del siglo XX.

Sitio oficial

Viernes 9 > 19:30 h. > Teatro Nescafé de las Artes
Domingo 18 > 18 h. > Teatro Nescafé de las Artes

En tres años cruciales de la década de los setenta, las carreras de tres genios del rock se enhebraron, para fortuna de sus talentos y de la humanidad. David Bowie, Iggy Pop y Lou Reed fueron compañeros en una aventura creativa asombrosa, desarrollada en paralelo pero conectada con su tiempo y su peculiar amistad, forjada mucho antes de que sus nombres tuvieran el peso inmortal del que hoy gozan. Se conocieron, se admiraron y se beneficiarion los unos de los otros. Este documental muestra, minuto a minuto, los entresijos de la carambola de influencias que gestó discos tan monumentales como The rise and fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, Raw power y Transformer. Vaya tríada.

El filme busca el punto de origen: acaso el glam, acaso Velvet Underground, acaso el bagaje arty de Iggy Pop. Opinan colaboradores, amigos y ex parejas. Y se logran establecer desde allí conexiones sorprendentes, que convencen al espectador sobre lo inevitable de su alineación, por mucho que la geografía y el estilo entonces los distanciara. Por momentos, esto se parece más a una novela de Agatha Christie que a un documental de rock. En el camino, The sacred triangle devela también otros temas, como el mito de la bisexualidad de Bowie, el lado destructivo de Iggy, la sombra de Warhol en Reed y un largo etcétera. Las pistas parecen concluyentes.